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Termine und Neuigkeiten
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</div></div></div></div></div></main> <footer class="fill-gray-lighter xs-text-6 md-text-5" data-v-b2779560><div class="r no-gap" data-v-b2779560><a href="/born-to-be-bauhaus/page/about" class="item c-6 p1 border uber" data-v-b2779560><div class="footer__heading" data-v-b2779560>Über BTBB</div> <div class="show_on_hover" data-v-b2779560>Born to be Bauhaus ist ein Format, dass von 2017-2021 Preisausschreibung, Ausstellungen, Workshops und Kunstankäufe für Studendierende der Bauhaus-Universität Weimar beinhaltet und 2023 zum Anlass des Jubiläums der Bauhausausstellung eine Gesamtausstellung präsentiert.</div></a> <div class="c-6 border" data-v-b2779560><div class="item r no-gap full-height" data-v-b2779560><a href="/born-to-be-bauhaus/page/news" class="footer-link c-6 border nuxt-link-exact-active nuxt-link-active" data-v-b2779560>Termine & Neuigkeiten</a> <a href="/born-to-be-bauhaus/page/kontakt" class="footer-link c-6 border" data-v-b2779560>Kontakt</a> <a href="https://www.uni-weimar.de/de/fs/datenschutz/" class="footer-link c-6 border" data-v-b2779560>Datenschutz</a> <a href="https://www.uni-weimar.de/de/fs/impressum/" class="footer-link c-6 border" data-v-b2779560>Impressum</a></div></div> <div class="c-12 p1 border-left border-right" data-v-b2779560><div class="footer__heading" data-v-b2779560>Unterstützt durch</div> <div class="flex wrap logo-container" data-v-b2779560><a href="https://uni-weimar.de" class="flex-center-center logo-vert" data-v-b2779560><img src="images/logos/bauhaus-uni.svg" alt="Bauhaus Universität Weimar" class="contain" data-v-b2779560></a> <div class="flex-center-center logo-vert" data-v-b2779560><img src="images/logos/B100.png" alt="Bauhaus 100" class="contain" data-v-b2779560></div> <div class="flex-center-center logo-vert" data-v-b2779560><img src="images/logos/freundeskreis.svg" alt="Freundeskreis" class="contain" data-v-b2779560></div> <div class="flex-center-center logo-vert" data-v-b2779560><img src="images/logos/sparkasse.svg" alt="Sparkasse" class="contain" data-v-b2779560></div> <div class="flex-center-center logo-vert" data-v-b2779560><img src="images/logos/kulturstiftung.png" alt="Kulturstiftung Thüringen" class="contain" data-v-b2779560></div> <div class="flex-center-center logo-square" data-v-b2779560><img src="images/logos/uberland.png" alt="Überland eV" class="contain" data-v-b2779560></div> <div class="flex-center-center logo-square" data-v-b2779560><img src="images/logos/kulturfabrik.png" alt="Kulturfabrik" class="contain" data-v-b2779560></div> <div class="flex-center-center logo-square" data-v-b2779560><img src="images/logos/KTW.svg" alt="Kulturtragwerk" class="contain" data-v-b2779560></div> <div class="flex-center-center logo-square" data-v-b2779560><img src="images/logos/brotklappe.svg" alt="Brotklappe" class="contain" data-v-b2779560></div> <div class="flex-center-center logo-square" data-v-b2779560><img src="images/logos/campari.svg" alt="Campari" class="contain" data-v-b2779560></div> <div class="flex-center-center logo-square" data-v-b2779560><img src="images/logos/kunsthaus-erfurt.png" alt="Kunsthaus Erfurt" class="contain" data-v-b2779560></div> <div class="flex-center-center logo-square" data-v-b2779560><img src="images/logos/rio.png" alt="Rio Requisiten Interieur Objektdesign" class="contain" data-v-b2779560></div></div></div></div></footer></section></div></div><script>window.__NUXT__=function(e,n,i,r,t,s,a,d,u){return{layout:"default",data:[Object.create(null,{default:{writable:!0,enumerable:!0,value:{title:u,thumbnail:d,body:"<iframe style='width: 100%; height: 100%; min-height: 800px;' src='images/uploads/EINLEGER EVENTS LILA EP04.pdf' />",color:r}},title:{writable:!0,enumerable:!0,value:u},thumbnail:{writable:!0,enumerable:!0,value:d},body:{writable:!0,enumerable:!0,value:"<iframe style='width: 100%; height: 100%; min-height: 800px;' src='images/uploads/EINLEGER EVENTS LILA EP04.pdf' />"},color:{writable:!0,enumerable:!0,value:r}})],error:null,state:{menuIsActive:n,menuInitial:!0,blogPosts:[{title:"Vincent Brière",category:e,thumbnail:"/images/uploads/vincent-briere_home_btbb.jpg",bio:"**HOME**\nVideo\n2018",body:"Zwölf starre Kameraeinstellungen. Nur wenige Bewegungen zeigen, dass es sich um Film handelt. Insgesamt drei Offstimmen – oder zweieinhalb, da die Frau ständig von ihrem Mann unterbrochen wird. Gleich am Anfang sagt der junge Mann, was den Tenor des Gesagten bildet: „Ich habe keine Beziehung zu diesem Ort.“Die Sprechenden wohnen in den Kasernengebäuden des ehemaligen KZ Buchenwald, wiegeln aber wortreich ab, dazu in besonderer Beziehung zu stehen. Die genannten Gründe, hier zu wohnen, sind günstige Mietenund der freie Blick in den Wald. Sobald die Gedenkstätte geschlossen ist, kehrt hier eine Ruhe ein, die gespenstisch anmuten könnte, von den drei Bewohnern aberals Privileg gepriesen wird. Vincent Brières kurzer Film, dessen Ästhetik an Claude Lanzmanns monumentale ‚Shoah‘-Dokumentation erinnert, ist ein Zeugnis der Nicht-Beziehung – genauso befremdlich wie der am Anfang durchs Bild fahrende Bus der Stadtlinie 6, der, als wäre es eine Destination wie jede andere, auf seiner Stirn die Lettern BUCHENWALD trägt.\n\nMichael Lüthy",_path:"/artist/vincent-briere"},{title:"Thibaut Henz",category:e,thumbnail:"/images/uploads/thibaut1.jpg",bio:"**O.T.** aus der Serie **Liaisons Latentes**\nFine Art Print\n2015",body:"Eine formal - inhaltliche Einordnung der Fotografien scheint bei naheunmöglich. Nicht nur, dass jede Kategorisierung der motivischen Vielfalt nicht gerecht werden würde, vielmehr spielen die Bilder insgesamt mit einer Ungewissheit:»latent« nennt der Fotograf diesen Aufschub des Sinns, der eigentümliche Beziehungen (»liaisons«) offenbart: Kein Bildbeschränkt sich auf sich selbst, vielmehr bildet es bereits in seinem Erscheinen die Abwesenheit eines anderen ab. Ähnlich einer Spurformiert es sich als Übergang zwischen Präsenz und Nicht-Präsenz, Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit, Entbergung und Verbergung: Ein flüchtiger Blick aus dem Fenster, eine Inschrift im Baum oder die Rückansicht einer Person werden etwa als derartige Spuren begreifbar, die sich verhalten an-bzw. aufkündigen. Zu bleiben, das heißt zu verweilen, sich auf die Spur zu begeben, verheißt vor diesem Hintergrund nicht lediglich eine zeitliche, sondern ebenso räumliche Näherung. Wie sich innerhalb der Fotografien ein grenzenloser Sinnhorizont eröffnet (was sollte etwa jene Inschrift bedeuten?), entgleitet auch die Zeit in eine strukturelle Lücke. Sie stellt sich aus in einer Offenheit, die das Abgebildete als Einfassung eines Nicht-Abgebildeten präsentiert. Jener rezeptionsästhetische Gedanke schlägt sich nun gleichsam auf formale Weise nieder. Wie die Latenzder Bilder inhaltlich einen Aufschub anleitet, verweisen die Bilder in ihrer Rahmung auf einen gemeinsamen (Un-)Ort. Weder Titel noch Bildunterschriften lassen einen Schluss auf die tatsächliche Herkunft der Fotografien zu, verkörpern sie doch selbst eine Kontingenzerfahrung, die schon im beachtlichen Spektrum der fotografischen Motive evident wird: Fassadenelemente treffen auf Skulpturen, menschliche Porträts auf Straßenzüge, verdeckteTierkörper auf Kruzifixe. Dass diese miteinander vereinbar sind, weil ihre Bedeutung erst im Gegenüber zum Ausdruck kommt, zeigen die Fotografien auf ganz unterschiedliche Weise: Mal ist es nur die dezente Farbanalogie zweier Bilder, mal sind es offenkundig ironische Anspielungen, Verrenkungen und Verwicklungen, die das Spiel der Spuren antreiben. Das Wagnis, das damit einhergeht, bleibt jedem Rezipienten selbst überlassen.\n\nFlorian Glück",_path:"/artist/thibaut-henz"},{title:"Samira Engel",category:t,bio:"**In der U-Bahn sind wir alle gleich** \n\nInstallation 2020\n\nObjekte, Video",body:'**Also nicht irgendwas Versponnenes oder gar Ausgedachtes, so daneben und höflich. Über Samira Engel: Shiny Glamour and Fancy Shit**\n\nEs gibt ein tolles Zitat von Isa Genzken über ihre skulpturale Praxis, an das ich denken muss, wenn ich die Arbeiten von Samira Engel betrachte: "Ja, und ich habe auch immer gesagt, dass man mit jeder Skulptur formulieren können muss: Das ist zwar kein ready-made, aber es könnte eines sein. So muss eine Skulptur aussehen. Sie muss einen gewissen Realitätsbezug haben. Also nicht irgendwas Versponnenes oder gar Ausgedachtes, so daneben und höflich."(1) Ich würde unterstellen, dass Samira Engel eine ganz ähnliche Auffassung von ihrer künstlerischen Praxis hat, denn genau wie bei Isa Genzken ist bei ihr der Alltagsbezug immer da – ohne ihn zur bestimmenden Lesart zum Beispiel ihrer Skulpturen werden zu lassen. Die kalten, oftmals metallischen Objekte, die sie auf ausgeschüttetem Teer platziert oder von der Decke hängt, verbergen zwar nicht, was sie sind oder ursprünglich waren (zum Beispiel ein Kinderwagen, eine Rollator, Halteriemen und -stangen), in der Art der skulpturalen Umformung oder Verdichtung jedoch werden sie zu etwas anderem: zu eigenen ästhetischen Zeichen und zugleich dysfunktionalen Objekten, mit denen Atmosphären des Abseitigen, Untergründigen oder auch des Brutalen an die Oberfläche geschwemmt werden. Anstatt es aber bei dieser skulpturalen Setzung zu belassen, kombiniert die Künstlerin diese Arbeiten etwa mit Filmmaterial auf Banner-artigen Screens wie wir sie aus der Werbung kennen, in denen die von ihrem Alltagsgebrauch verfremdeten Objekte in einer Art des absurden Theaters etwas aufführen, was an ihren oftmals hilflosen oder vergeblichen Gebrauch denken lässt. Dabei bezeichnet Samira Engel ihre Metallobjekte als "Gehilfen" oder "Gefährten", mir fällt jedoch zuerst der klinischere Begriff der "Prothese" ein (Franz West und seine "Passstücke", gern auch als "Ersatzstücke" bezeichnet, lassen grüßen). Trendgemäß würde man aber vielleicht auch von *Daily Devices* sprechen. Mit der Prothese jedenfalls sollen Handlungen oder Aktionen möglich werden, die ohne sie nicht eigenständig ausgeführt werden können – etwa sich in der U-Bahn oder an einem Rollator festhalten, um nicht zu fallen. Dabei ist der Prothese der Charakter des Funktionellen eingeschrieben – und vielleicht muss sie deshalb auch nicht gut oder "menschlich" aussehen, sondern trägt von vornherein ein Klima der Kälte in sich. Apropo Kälte: Eine Prothese kann auch ein Beißkorb sein, der wiederum in einer neuen Fotoserie der Künstlerin zum Auslöser von performativen Handlungen wird, indem sie ihn nicht etwa jenen aufsetzt, die sie tragen müssen – Hunden –, sondern Menschen, denen die Künstlerin in nächtlichen Spaziergängen in Wien begegnete. Samira Engel zwingt die Menschen also in ihre "Hundigkeit" (VALIE EXPORT und ihre "Mappe der Hundigkeit" von 1969 lässt grüßen). Abermals gelingt es ihr, aus dem Reich des Unbewussten Atmosphären des Bizarren oder der Groteske auftauchen zu lassen, Atmosphären, die mit einer Audioarbeit nochmals klanglich verstärkt werden. Man könnte jetzt glauben, dass alles das, was die Künstlerin tut, mit einer Kritik am sozialen Alltag und unseren (auch absurden) Handlungen in ihm angereichert wäre. Aber auch wenn ein solches Verständnis ihrer Arbeit sicher möglich ist, so scheint es mir vielversprechender, mit "Shiny Glamour and Fancy Shit" in die Abgründe der menschlichen Existenz zu tauchen und zu erkunden, zu welchen Objekt gewordenen Phantasien sie imstande ist, die wie selbstverständlich in den Alltag inkorporiert werden und in performativen Akten immer wieder neu erprobt werden. Samira Engel jedenfalls fischt zielsicher genau diese abgründigen Objekte (oder menschengemachten Prothesen des Alltags) heraus und verwandelt sie eben nicht in etwas daneben-höflich Versponnenes oder gar Ausgedachtes, sondern in Skulpturen und andere Arbeiten, die uns unseren Alltag und unseren Abgrund und wie wir beides tagtäglich erleben, vor Augen führen. In Gesten der Vergeblichkeit sind wir fortwährend damit beschäftigt beides zu händeln – oder auch an ihnen zu scheitern.\n\nDer Moment des Komischen ist in diesem Zusammenhang sicher nicht die erste Intention der Künstlerin. Aber den Mechanismus des Lachens zu provozieren ist definitiv ein weiteres performatives Element der Arbeit, dass die Künstlerin erst in Zusammenhang mit der Aufführung ihrer Arbeiten in Ausstellungen provoziert. Denn Samira Engel interessiert die "dem menschlichen Handeln immanente Performativität", die sie an allen Stellen sieht und für ihre Arbeit ausreizt. Deshalb hätte ich "Shiny Glamour and Fancy Shit" sehr gern life gesehen: um mich zu fürchten und um über meine Furcht in Gelächter auszubrechen.\n\nMaren Lübbke-Tidow\n\n(1) Vgl. Wolfgang Tillmans im Interview mit Isa Genzken, in: *Camera Austria International* (Graz), Nr. 81/2003, S. 7–18.',thumbnail:"/images/uploads/screens_small_2.jpg",_path:"/artist/samira-engel-1"},{title:"Rebecca A. Layton",category:e,thumbnail:"/images/uploads/ralayton_thedrummer_artistcardimage.jpg",bio:"**Drummer**\nVideo\n2018",body:"Ein junger Mann sitzt hinter einem Schlagzeug und trommelt. Die filmische Dokumentation seines Spiels zielt allerdings weniger auf sein Können als auf den langsamen Akt physischer Erschöpfung, der mit seinem intensiven Solo einhergeht. Rebecca A. Layton zeigt die Performance aus statischer Kameraperspektive ohne Schnitt – eher physiologische Studie als musikalische Dokumentation. In dieser Reduktion tritt allerdings eine grundlegende Kategorie des Filmischen in den Vordergrund: die der Zeit, die nicht nur als aktuelle Projektionszeit vom Zuschauer unmittelbar erfahren wird, sondern mit der filmischen Zeit kongruent ist. Die Dauer des Trommelspiels wird als vergehende Zeit konserviert und im Prozess der Projektion wieder vergegenwärtigt, so wie der Blick des Kameraauges festhält, was im Auge des Zuschauers reaktiviert wird. Die im und durch das Bild zur Anschauung gebrachte Zeit präsentiert sich als konsistente homogene Sphäre, die das allmählich den Rhythmus verlangsamende Schlagzeug allerdings immer stärker durchbricht. Projektionszeit, Wahrnehmungszeit und Handlungszeit fallen in eins, aber der Takt, der das Zeitempfinden strukturiert, verändert sich unmerklich. Die stetige Improvisation des jungen Mannes an den Drums, sein Spielaus gleichmäßigem Flow und ausbrechenden Tempi, seine offenbar schwerer werdenden Arme, und das immer wieder Sich-Zusammenreißen, das neuen Drive in das Spiel bringt, lassen eine Unmittelbarkeit entstehen, in der die repetitive Handlung die Dauer zu einer plastischen Erscheinung formt: pure Präsenz vergehender Zeit und Verdichtung des Sichtbaren in der zeitlichen Extensität wie bildlichen Intensität, die orchestriert wird vom Rhythmus des Spiels.\n\nVanessa Joan Müller",_path:"/artist/rebecca-a-layton"},{title:"Nikola Kekerović",category:e,thumbnail:"/images/uploads/nikola-kekerovic-hard-core-stone-beton-one-egg-deatail-year-2017.jpg",bio:"**Hard Core**\nZement, Steine\n2017",body:"Comeback des Revolutionären im Alltäglichen. \nWenn man das erste Mal auf die Betoneier trifft und dann noch auf ihren Macher, weiss man, was Phase ist. Hier werden keine Kompromisse gemacht, hier trifft hart auf weich, kernig auf nachgiebig, kraftstrotzend auf weinerlich. \nCheck. \nEin Alltagsobjekt kriegt Konturen. Ein Produkt künstlerischen Handelns, das zum Handeln verleiten will. Zu erkennbar absichtsvoll? Mhm, vielleicht ein bisschen zu viel des männlichen Getues, etwas zu nah am zeitgeistigen Gequatsche von „Cochones“, überselbstbewusst, kein Bock auf Politisch-Korrekt-Sein? Aber warum auch nicht? Weniger geht immer.\nDie Eierskulptur verlockt dazu, sich gehen zu lassen, dem Gewohnten nachzugeben. Sich nicht mehr weiter damit zu beschäftigen. Aber auch, spontan Strömungen von Angst und Wut zuzulassen, kein Hinterfragen, just do it! „Kann ich mit den Eiern nicht auch werfen?“ Klar doch! Mehr denn je, jetzt haben sie echt Wirkung. Voll auf die zwölf. Endlich!\nIm althergebrachten Sinne revolutionär und zugleich gegensätzlich zum Alles-Geht dieser Tage. Steht auf, steht auf, steht für etwas auf! Und wenn es dafür des Eierwerfens bedarf. Echte oder diese Echten. Das rohe Ei als das ursprüngliche Symbol der Einfühlsamkeit, des Werdens, dessen, worum es im Leben geht. Genauso sehr das Ei aus Beton als Bildnis, für sich und seine Überzeugungen einzutreten. \nKönnte passen.\n\n\n\nAndreas Krüger",_path:"/artist/nikola-kekerovic"},{title:"Max Broda",category:s,thumbnail:"/images/uploads/Max_Broda.jpg",bio:"**Akt**\n\nDigital Print\n\n100 x 140 cm\n\n2019",body:" \r\n\nIsabelle Castera und Max Broda gehören zu einer neuen Fotografengeneration. Sie zehren von erlebten Erfahrungen und machen sich alle Mittel zu eigen, die heute zur Verfügung stehen. Sie nutzen gängige Materialen und Stilformen in gleichem Maße, wie sie neue erfinden. Sie reproduzieren und produzieren zugleich, sie kopieren, zitieren, konterkarieren. Zum wiederholten Male kehren sich die Verhältnisse um. Ein neuer Diskurs beginnt. Isabelle Castera und Max Broda benutzen das Fotomaterial sowohl als Träger als auch als Gegenstand ihrer Botschaft, und entdecken somit die Symbolik der fotografischen Werkzeuge, die für sie nicht mehr nur Medium sondern Thema werden. \r\n\n \r\n\nDie Künstler lenken die Aufmerksamkeit zurück auf das, was in der Transparenz des fotografischen Abbilds zu verschwinden droht: sie verweisen zurück zum Bild. Handeln wir nicht alle fortgesetzt mit Bildern? Seit dem Beginn des digitalen Zeitalters haben sich ganz eigene visuelle Ökonomien entfaltet, in denen Bilder alltägliche Objekte der Zirkulation, des Tausches und der Gabe wurden. Wir halten sie in Bewegung und rücken sie in immer neue Kontexte. Die erste, nächste und wohl auch wichtigste Umgebung eines Bildes sind deshalb andere Bilder. Das Bild als einen Gegenstand unser eigenen Handlungsweisen zu betrachten, wird daher vor allem heißen müssen, nach unseren eigenen Methoden zu fragen, mit denen wir in Bildern denken.\r\n\n \r\n\nUnsere kulturelle Historie besteht aus Objekten, Orten und Oberflächen, die sich über das Denken einprägen. Durch distanzierte Herangehensweisen gelingt es Castera und Broda eine persönliche Abhandlung dieses Denkens anzubieten. Ihre inszenierten Werke sind von einer Melancholie geprägt, die nicht nur in der Jetztzeit existiert. Ob das ästhetische oder historische Gründe hat bleibt dem Betrachter verborgen, denn die Zusammenstellung der Objekte erfolgt ohne Hierarchie. Alles wird miteinander verknüpft, Wertigkeiten werden in Bewegung gesetzt. Motive, die der Betrachter als trivial wahrnimmt werden aufgeladen, freigelegt und sichtbar gemacht. Durch die Art und Weise, wie sie diese Motive künstlerisch entkontextualsieren verweisen sie jedoch darauf, wie unsere heutige Wahrnehmung von Bildern funktioniert. Zugleich praktizieren Castera und Broda eine selbstauferlegte Strenge und versuchen dadurch eine fokussierte Objektivität aus strahlenden Version von Realität zu erzeugen. \r\n\n \r\n\nNicht nur deshalb sind die Bildwelten von Isabella Castera und Max Broda auf faszinierende Weise paradox: Zeichen und Motive sind erkennbar, doch was sie aufzeigen möchten bleibt häufig bewusst offen. Es gibt Spuren denen wir folgen, Referenzen die wir lesen, aber am Ende ist es der präzise fotografische Blick, der uns über die Wirklichkeiten und Möglichkeiten ihrer bedingten Repräsentation nachdenken lässt.\r\n\nNils Emmerichs",_path:"/artist/max-broda"},{title:"Matthias Pitscher",category:i,thumbnail:"/images/uploads/Matthias_Pitscher_Lonely_Planet.jpg",bio:"**Mindful Scrolling**\n<https://mindfulscrolling.net/>\n2017",body:"Matthias Pitscher setzt sich mit digitalen Leben auseinander, welche unsere Gegenwart prägen. In seinen Arbeiten betrachtet er den Umgang mit sozialen Netzwerken und Online-Plattformen aus kritischer Perspektive, ohne dabei einen didaktischen Ton anzuschlagen.Analytisch und gleichzeitig humorvoll führt er uns vor Augen, wie digitale Medien unsere Wahrnehmung von Realität verändern und Filterblasen und Echokammern entstehen lassen. Die Themen, mit denen sich der Künstler auseinandersetzt, sind hochaktuell und sprechen dabei sowohl Erfahrungen auf individueller wie auf gesellschaftlicher Ebene an. Für eine digital sozialisierte Generation ist das Netz Alltag und selbstverständlicher Teil der Erfahrung von Welt. Subtil zeigt Pitscher auf, dass hinter der ständigen Verfügbarkeit von Informationen, Dingen und Menschen auch ökonomische wie politische Interessen stehen. Durch die Konfrontation vermeintlich konträrer Modelle von Mediennutzung und Meditation zeigt er die manipulativen Strategien von Unternehmen auf, die Methoden der bewussten Wahrnehmung der eigenen Umgebung nur zum Zweck der Leistungssteigerung einsetzen. Er übt Kritik an Prozessen der Selbstoptimierung, welche im Sinne einer Kompatibilität mit einem kapitalistischen System eingesetzt werden, um gesellschaftliche Produktivität und Effektivität garantieren. Ebenso wird in Pitschers Arbeiten deutlich, wie der Rückzug in die eigene Internetblase ein öffentliches, politisches Leben nivelliert und differenzierte Meinungen durch binäre Likes und Codes austauscht. Auf ebenso kluge wie ironische Art hinterfragt Matthias Pitscher in seinen Arbeiten unser Jetzt und macht auf die Entkoppelung von digitalem und sozialem Leben aufmerksam.\n\nNicolaus Schafhausen",_path:"/artist/matthias-pitscher"},{title:"Jakob Wirth",category:t,bio:"**Penthouse à la Parasit**\n\nGuerilla Intervention, 2019",body:"In 2020, more than in any time in our memory, the word ‘parasite’ summons a dangerous and unwanted figure. Virus, bacteria or plant, a parasite uses the life resources of another living form without giving back, and without care for the endurance of its host beyond its own survival. A parasite in society could be no better–or so we are used to thinking.\n\nA 3,6 m2 wood-frame house, covered in reflective steel, perched on the flat rooftop in a big city, provokes you to think otherwise. This tiny penthouse reminds its hosts that the parasite has an ebullient, creative value in an ecology of change. “If evolution is an order,” writes Michel Serres, “the parasite is certainly its element. It interrupts a repetition and makes a series of sameness bifurcate.”\n\nStarting from the precept that the parasite, by ab-using a paradigm, introduces new forms into a system, the artists built and installed the parasitic penthouse illegally on several rooftops in Berlin, Weimar, and Munich over the course of the past year. The mirrored stainless steel facade that blends the house with the city’s last free sky performs physically what is the parasite’s most important strategy. The Penthaus uses the coded languages of the real estate market, lifestyle consumerism, legal strategy, cultural organization and of fine art to occupy, adapt, and survive through encounters with society, communicating with it in a queer form of social innovation. In each place, the penthouse received guests a la Airbnb, was placed for sale in real estate websites, and hosted open concerts and lectures on rooftops. The polemics of parasite art, embracing ambiguity and thinking through salvage within a system that is ever in crisis, reverberate within the abyss of a time of polarized politics and of lapsing imaginations for the transformation of the status quo.\n\nIn “Born to be Bauhaus,” Jakob Wirth invites the visitor into a looping journey through the multiple faces that the Penthaus has taken over different places and public platforms. The show walks through the house’s front door, sees its own reflection on the long mirrors that formed its sides and roof, stops by the built-in bed to watch a promotional video that advertises a night of affordable luxury on the rooftop in Munich, and could stop for a long time to read dozens of pages from a legal suit against the penthouse.\n\nWhile the house itself is not inhabited, but deconstructed to take the form of a retrospective showcase, the parasite took lodging in the gallery through the “Parasite Residency.” During the week prior to the opening, twelve artists lived around the Eiermannbau, and the work they made integrates the exhibition, around the building grounds and within a gallery-inside-the-gallery built for the show.\n\nThe exhibition is accompanied by issue 1 of Parasite Art, a magazine dedicated to explorations of the edge. In the inaugural issue, scholars, critics and artists discuss in different voices the parasitic life of the Penthaus, their own projects, and the abilities and polemics of the parasite as a social software.\n\n\n\n\n\n| Marina Resende Santos |\n| ---------------------- |",thumbnail:"/images/uploads/penthaus-à-la-parasit-guerilla-intervention-neukölln-berlin-2019.jpg",_path:"/artist/jakob-wirth"},{title:"Isabelle Castera",category:s,thumbnail:"/images/uploads/Isabelle-Castera_Ohne Titel, 2019_Pigmentdruck auf Barytpapier_45 x 30cm.jpg",bio:"**Ohne Titel**\n\nPigmentdruck auf Barytpapier\n\n45 x 30 cm (gerahmt)\n\n2019",body:"Isabelle Castera und Max Broda gehören zu einer neuen Fotografengeneration. Sie zehren von erlebten Erfahrungen und machen sich alle Mittel zu eigen, die heute zur Verfügung stehen. Sie nutzen gängige Materialen und Stilformen in gleichem Maße, wie sie neue erfinden. Sie reproduzieren und produzieren zugleich, sie kopieren, zitieren, konterkarieren. Zum wiederholten Male kehren sich die Verhältnisse um. Ein neuer Diskurs beginnt. Isabelle Castera und Max Broda benutzen das Fotomaterial sowohl als Träger als auch als Gegenstand ihrer Botschaft, und entdecken somit die Symbolik der fotografischen Werkzeuge, die für sie nicht mehr nur Medium sondern Thema werden. \n\nIsabelle Castera und Max Broda gehören zu einer neuen Fotografengeneration. Sie zehren von erlebten Erfahrungen und machen sich alle Mittel zu eigen, die heute zur Verfügung stehen. Sie nutzen gängige Materialen und Stilformen in gleichem Maße, wie sie neue erfinden. Sie reproduzieren und produzieren zugleich, sie kopieren, zitieren, konterkarieren. Zum wiederholten Male kehren sich die Verhältnisse um. Ein neuer Diskurs beginnt. Isabelle Castera und Max Broda benutzen das Fotomaterial sowohl als Träger als auch als Gegenstand ihrer Botschaft, und entdecken somit die Symbolik der fotografischen Werkzeuge, die für sie nicht mehr nur Medium sondern Thema werden. \n\nDie Künstler lenken die Aufmerksamkeit zurück auf das, was in der Transparenz des fotografischen Abbilds zu verschwinden droht: sie verweisen zurück zum Bild. Handeln wir nicht alle fortgesetzt mit Bildern? Seit dem Beginn des digitalen Zeitalters haben sich ganz eigene visuelle Ökonomien entfaltet, in denen Bilder alltägliche Objekte der Zirkulation, des Tausches und der Gabe wurden. Wir halten sie in Bewegung und rücken sie in immer neue Kontexte. Die erste, nächste und wohl auch wichtigste Umgebung eines Bildes sind deshalb andere Bilder. Das Bild als einen Gegenstand unser eigenen Handlungsweisen zu betrachten, wird daher vor allem heißen müssen, nach unseren eigenen Methoden zu fragen, mit denen wir in Bildern denken.\n\nUnsere kulturelle Historie besteht aus Objekten, Orten und Oberflächen, die sich über das Denken einprägen. Durch distanzierte Herangehensweisen gelingt es Castera und Broda eine persönliche Abhandlung dieses Denkens anzubieten. Ihre inszenierten Werke sind von einer Melancholie geprägt, die nicht nur in der Jetztzeit existiert. Ob das ästhetische oder historische Gründe hat bleibt dem Betrachter verborgen, denn die Zusammenstellung der Objekte erfolgt ohne Hierarchie. Alles wird miteinander verknüpft, Wertigkeiten werden in Bewegung gesetzt. Motive, die der Betrachter als trivial wahrnimmt werden aufgeladen, freigelegt und sichtbar gemacht. Durch die Art und Weise, wie sie diese Motive künstlerisch entkontextualsieren verweisen sie jedoch darauf, wie unsere heutige Wahrnehmung von Bildern funktioniert. Zugleich praktizieren Castera und Broda eine selbstauferlegte Strenge und versuchen dadurch eine fokussierte Objektivität aus strahlenden Version von Realität zu erzeugen. \n\nNicht nur deshalb sind die Bildwelten von Isabella Castera und Max Broda auf faszinierende Weise paradox: Zeichen und Motive sind erkennbar, doch was sie aufzeigen möchten bleibt häufig bewusst offen. Es gibt Spuren denen wir folgen, Referenzen die wir lesen, aber am Ende ist es der präzise fotografische Blick, der uns über die Wirklichkeiten und Möglichkeiten ihrer bedingten Repräsentation nachdenken lässt.\n\nNils Emmerichs",_path:"/artist/isabelle-castera"},{title:"Holger Wilkens",category:e,thumbnail:"/images/uploads/Holger_Wilkens_pollia_condensata_2014_btbb.jpg",bio:"**Pollia Condensata**\n\nC-Print\n\n2014",body:"Durch Holger Wilkens' Darstellung enthüllt sich uns die atemberaubende Schönheit der Pollia Condensata mit einer beeindruckenden, technischen Perfektion. In seiner Komposition fängt er das harmonische Zusammenspiel von Farben und Texturen ein und offenbart uns die verborgenen Schätze dieser einzigartigen Frucht. Die lebendigen, blauen Nuancen und das geschickte Spiel von Licht und Schatten verführen unsere Sinne auf zauberhafte Weise. Mit seinem künstlerischen Blick verwandelt Wilkens die anfangs unauffällige Pollia Condensata in ein strahlendes Juwel und erinnert uns dabei an die Wunder, die die Natur in sich trägt. Jede Betrachtung eröffnet eine neue Dimension und präsentiert uns die intensive Farbigkeit, welche die unendliche Schönheit der sichtbaren Welt symbolisiert. Dabei stellt Wilkens bewusst das scheinbare Paradoxon zwischen technischer Nüchternheit und künstlerischem Ausdruck in den Vordergrund.",_path:"/artist/holger-wilkens"},{title:"Francis Kamprath",category:i,thumbnail:"/images/uploads/Francis_Kamprath_Brautkleid.jpg",bio:"**Gr-38-Corsagen-Brautkleid.jpg** Aus dem Projekt **Brautkleid \\[xxx] Brautkleid** C-Print 54,3x 84,1 cm\n2015",body:"Die Arbeit von Francis Kamprath ist eine Zeitkapsel, die ein Abbild davon gibt,wie das Hochzeitkleid als persönlichster Gegenstand zum Vermarktungsobjektwird. Dabei liegt das Interesse Kampraths nicht auf dem Objekt des Kleidessondern auf dem Subjekt, das es trägt und präsentiert, zumeist die Brautselbst, die sich entschieden hat, ihr Kleid zum Second-Hand-Verkauf anzubieten. Entstanden ist ein Bildarchiv von ca. 4000 Fotos von Hochzeitskleidern, die er auf Verkaufsplattformen im Internet gesammelt hat. Die Bilder fungieren als eigenständige Readymades. Im Zentrum steht jedoch nicht das einzelne Bild sondern die Reihung, die die Sammlung zum Kunstwerk werden lässt. Betrachtende sehen sich konfrontiert mit verschiedenen Graden der Anonymisierung, welche die Verkäuferinnen selbst vorgenommen haben. Erst durch die Zusammenstellung der Bildmasse wird ein spezifisches Phänomen sichtbar: Die Anonymisierung als Zeugnis einer diffusen Angst und der stetigen Neuverhandlung von Öffentlichkeit und Privatheit.\n\nChristiane Wolf",_path:"/artist/francis-kamprath"},{title:"Denise Blickhan",category:a,bio:"**Medusa** \n\nPerformance\n\nZyklus 2018-2021",body:"“MEDUSA ist ein Performance-Zyklus, in dem sich alles um Ambivalenzen im Umgang mit weiblichen Selbst- und\nFremdbildern dreht. Die Performerin ist körperlich präsent, zugleich generiert sie von sich fortlaufend mediale Bilder, die sie umschwirren. In ihren Bewegungen und mit den Texten ihrer Lieder adressiert sie ein Gegenüber, das nicht genau zu orten ist - genausowenig wie die Performerin, die zwischen moderner Varietékünstlerin und antik-mythischer Figur sowie zwischen inkarniertem Leib und flüchtigem Medienbild oszilliert.\nIn einem ästhetisierten Totalsensorium aus Wort, Musik, Körper und Bild spürt MEDUSA Machtkonstellationen auf: Es geht um die Macht der Bilder über die Frau, aber auch um die Machtkreisläufe zwischen den Geschlechtern. Als\nErlösungsphantasma wird die freiwillige Unterwerfung postuliert: die Submission unter den Mann und zugleich unter die Bilder. Die Betrachter stehen vor Fragen nach ihrer Verantwortung sowie ihrem Verständnis von geschlechtlichen und gesellschaftlichen Rollen, die sich im Zuge der dystopischen Performances zugleich festigen und auflösen. Als materialisierte Social-Media-Räume werden monumentale Bühneninstallationen videographisch und performativ bespielt. Multiple Selbstprojektionen auf diverse Oberflächen, Stroboskop-Blitze, Nebelmaschine und Sound machen die Bühnenräume zu einem klaustrophobischen Ort, der sich als Ego-Kosmos der Performerin erweist. Die Performerin ist Subjekt, Medium und Objekt ihres eigenen Tuns. Mit ‘hypergenderstereotyper Stimmmodulation’ artikuliert sie Parolen der Zerstörung und Affirmation in ihr Smartphone als ihrem Alter ego und Zerrspiegel zugleich. Sie ist narzisstische Untergebene der Selfie-Kamera, das den exklusiven Bezugspunkt ihrer devoten Aufmerksamkeit bildet, wobei Gesichtsfilter und Kostüme sie in archetypische Avatare ihrer selbst transformieren. MEDUSA zerstört durch immer wieder changierende Täter-Opfer-Zuschreibungen jede Stabilisierung des Selbst, sei es als Körper, sei es als Bild. Den Betrachtern bleibt es überlassen, die fragmentierten und heterogenen Symbole zusammenzufügen. Die Performances werden zum Spiegel der Selbst- und Fremdwahrnehmung im digitalen Zeitalter, stellen die alte Machtfrage zwischen den Geschlechtern neu und verweisen auf die Verantwortung des Einzelnen im Zeichen kollektiv-vernetzter Abhängigkeit.”\n\n*Michael Lüthy (2020)*\n\n**Opferin**\n\nBetörend schöne Gorgone entstellt\n\nVon Athene - Poseidon das Opfer.\n\nKommentarlos im Netz gefunden\n\nVon Algorythmen versteinerter Fapper.\n\nFilter verzerren - dem Betrachter verborgen\n\nSpieglein, Spieglein, keine Wand\n\nLonely Fans \n\n*Andreas Lenz (2022)*",thumbnail:"/images/uploads/medusa1823.jpg",_path:"/artist/denise-blickhan"},{title:"Christian Rothe",category:e,thumbnail:"/images/uploads/Christian_Rothe_Schaufenster.jpg",bio:"**Spielwaren Schössler**\naus der Serie **Schaufenster**\nC-Print (100 x 125 cm)\n2016",body:"Vollkommen zerstört wankt man morgens um 3 Uhr an beleuchteten Schaufenstern vorbei und entdeckt das Geschenk, das man wieder einmal vergessen hatte. Closed. Smartphone - Amazon -am nächsten Morgen klingelt der Paketbote. Prime. Spricht hier die Nostalgie eines überholten Gesellschaftmodells, einer dekonstruierten Vergangenheit, auf die Christian Rothe in seinen Photographien verweist? Der Blick ist befreit in den Großformaten, alles ist im Fokus und zeigt sich beiläufig. Nichts, was man nicht kennen würde. Das Schaufenster lockt zum Einkauf eines nicht erfüllbaren Bedürfnisses. Als Spuren des alltäglichen Stadtgeschehens zeugen seine Fotografien von einer Verbindung aus Realität und Vergangenheit - mit dem Auslösen des Fotoapparats ist die Anwesenheit schon wieder Vergangenes und steht in Form der Fotografie nur noch als Spur für etwas Vergangenes Anwesendes, eines im Entschwinden begriffenen Augenblicks. \nIndem Rothe die Schaufenster im Dunkeln fotografiert und somit jeden natürlichen Lichteinfall und Spiegelung der Außenwelt auslöscht, werden sie ihrer alltäglichen Situation beraubt - das Schaufenster wird zum Bild. Dadurch erscheinen die realen Orte unwirklich und künstlich. So sind sie verfremdet von ihrem Umfeld, sind bezugslos geworden und präsentieren sich dem Betrachter nur noch als Stadtfragmente, die er nicht mehr verorten kann. Er sieht sich nur mit dem Inhalt des Schaufensters konfrontiert, den er gleichsam wie Insekten unter Glas ohne Ablenkung betrachten kann.\n Das Horror vacui Schaufenster der Gegenwart verbleibt in Rothes Fotografien nur mehr als Relikt moderner Konsumkultur des 20. Jahrhunderts und wird zum Ausdruck eines veränderten gegenwärtigen Konsumverhaltens: Smartphone - Amazon -Prime.\n\nAndreas Lenz, Helena Pooch",_path:"/artist/christian-rothe"},{title:"Charlene Hahne",category:i,thumbnail:"/images/uploads/Charlene_Hahne_Bring_Shelter_II.jpg",bio:"**Bring Shelter II** \nÖlfarbe, Öl-Pastell, Buntstift und Filzstift auf Baumwolle\n und Polyacryl 150 x 175 cm\n2017",body:"In ‚Bring Shelter II‘ arbeitet Charlene Hahne mit zwei Stoffen, die durch ihre Art der Verbindung auf einen Horizont hindeuten. Hinzugefügt in der Ferne ist ein farbiges Ensemble, das an einen Hügel und an einen Obelisken erinnert. Öltubenwürste und pure Farbstreifen mit einer leichten Geste des Pinsels oder gemischte Regenbogenpaletten sitzen auf ihrem jeweiligen Trägermaterial und beschreiben Horizontlinie, Bergkette, Felsen. Eine Landschaft ist nicht die Karte der Landschaft, die Legende ist eine Betrachtung, eine Sichtweise des Erlebten. Als Hinweis will der Betrachter in das Bild hineinhören und Charlene Hahne belauschen, ohne pädagogischen Zwang. Das X um den Ort zu finden, sucht man hier allerdings vergebens. Zum Glück. Landschaft wird auf Kürzel, Klischees und Symbole herunter gebrochen und der Fokus auf Malerei selbst gelenkt. Die aus der Distanz, wie eine Grafik erscheinende Bilder, halten an Traditionen des Mediums Malerei fest. Hahne hinterfragt und reizt das Vokabular der Malerei aus: Mit dem Spiel der Textur, der Betonung der Oberfläche, die Anerkennung des Rechtecks und die Begrenzung des Rahmens. So unvermittelt wie die Abwesenheit der Malerei ist, so stark ist auch Ihre Rückkehr, obgleich die Rahmen im Werk von Hahne mehr und mehr redundant zu werden scheinen.\n\nAndreas Lenz",_path:"/artist/charlene-hahne"},{title:"bauhaus.fm-Runkfunkorchester",category:a,bio:"**Funkstern plus**\n\nRadiosender, Archivaufnahmen, Oszillator 2021",body:"Der Funkstern plus sendet auf der UKW-Frequenz 107.0 Mhz eine sich ständig ändernde Klangcollage basierend auf Archivaufnahmen des bauhaus.fm-Rundfunkorchesters, welche auf den sechs Abspielmodulen gespeichert sind. Durch Veränderungen des Lichteinfalls auf das Modul zur Klangerzeugung verändert sich dazu das Geräusch des eingebauten Sinus Oszillators. Durch die begrenzte Leistung des Senders in der Entfernung zur Antenne, die zufällige Kombinationen des Archivmaterials und der Interaktion mit dem Lichteinfall erlebt das Publikum immer eine einmalige Interaktion mit dem Funkstern plus. Bei Bewegung des Radios mit der Sendereinstellung 107.0 Mhz sind diese Veränderungen hörbar.\n\n\n\nDas bauhaus.fm-Rundfunkorchester ist ein Kollektiv von Klangkünstler\\*innen, welches seit 2017 für gemeinsame Radioperformances und Hörkonzerte zusammenkommt. Der Kern der Gruppe besteht aus den Medienkünstler\\*innen Konrad Behr, Laura Anh Thu Dang, Leon Goltermann, Lefteris Krysalis, Benjamin Vossler und Markus Westphal. Alle Gründungsmitglieder sind oder waren Studierende an der Professur experimentelles Radio an der Bauhaus-Universität Weimar. Weitere 10 Mitglieder sowie Gastkünstler\\*innen aus dem In- und Ausland gehören zu den wechselnden Akteur\\*innen des Orchesters. In über 30 Aufnahmen der Live-Radiokonzerte bei bauhaus.fm sowie in Mitschnitten von Konzerten in Köln, Dresden und Halle zeigt sich die klangliche Vielfalt des verwendeten Materials sowie der Einsatz unkonventioneller Klangerzeuger.\\\n\\\nAlle Artikel bei bauhaus.fm:\\\n<https://www.uni-weimar.de/projekte/bauhaus-fm/category/rundfunkorchester/>\\\n\\\nPlaylist bei Mixcloud:\\\n<https://www.mixcloud.com/BauhausFM/playlists/bauhausfm-rundfunkorchester/>",thumbnail:"/images/uploads/220331_bauhaus_fm-rundfunkochester_dsc2505_konrad_behr.jpg",_path:"/artist/bauhaus-fm-runkfunkorchester"},{title:"Anna Härtelt",category:i,thumbnail:"/images/uploads/Anna_Haertelt_Länderfaschistenverteilung 2.jpg",bio:"**Länderfaschistenverteilung**\nTusche auf Papier 20*40 cm\n2016/2017",body:"Bei Anna Härtelts 22-teiliger Serie handelt es sich um panoramatisch-querformatige Tuscharbeiten, die in Brand gesteckte Flüchtlingsunterkünfte zeigen. Durch die Beschränkung auf Schwarz-Weiß spielen sie auf die zugrundeliegenden Pressefotografien an, zugleich verwandeln sie die Motive in eine Form der Malerei, die die besonderen Möglichkeiten der Tuschemalerei virtuos einsetzt, insbesondere den harten Kontrast zwischen deckendem Schwarz und blendendem Weiß, einem Weiß, das deshalb so blenden kann wie Licht oder Feuer, weil es keine aufgetragene Farbe, sondern lediglich hervorblitzender Bildgrund ist. Umgekehrt ist die schwarze Tusche nicht bloße eine Farbe, sondern vor allem eine Schwärzung des Papiers. So wie die Helle des Blattweißes ins Feuerglühen übergeht, so die Schwärze in den Ruß, der die Fassaden oder die verkohlten Balken der ruinierten Gebäude bedeckt. Das Spektrum der 22 Blätter ist weit, gewisse Bilder führen das Motiv ins Abstrakte, andere wiederum erinnern ihrer biederen Gegenständlichkeit ans hobbymalerische Festhalten ländlicher Heimeligkeit. Ein abgründiges semantisches Gleiten stellt sich ein zwischen alten Postkarten von Ferienhausidyllen, provinzieller DDR-Architektur der 1950er Jahre, Görings Landhausromantik und dem brutalen neonazistischen Widerstand gegen die deutsche Flüchtlingspolitik. Durch Anna Härtelts fließende Tusche verbinden sich diese heterogenen, aber miteinander verkoppelten Sinnschichten zum unheimlichen Amalgam.\n\nMichael Lüthy",_path:"/artist/anna-härtelt"},{title:"Darko Velazquez",category:i,thumbnail:"/images/uploads/velazquez01_website.jpg",bio:"Aus der Serie\n**Since I´ve been gone**\nC-Print, Mittelformat, Analog 30x30cm\n2016",body:"Mit der Serie Since I´ve been gone verfolgt Darko Velazquez ein Konzept, bei dem die Kategorien Gedächtnis und Heimat im Fokus stehen. Neun Jahre lang hat er seine Heimatstadt Sanlúcar de Barrameda in Andalusien nicht besucht. Diese Tatsache hat seine Wahrnehmung von ihr beeinflusst. Der Ort, den er immer noch »zu Hause« nennt, ist eigentlich kein Zuhause mehr für ihn; er ist vielmehr zu einer Sammlung von Erinnerungen geworden. Zwischen Vertrautheit und Distanz schwanken diese Bilder. Die porträtierten Plätze fühlen sich an, als sei die Zeit seit dem Moment des Verlassens stehengeblieben und dennoch haben die Jahre dazwischen ihre Spuren hinterlassen. Die Fotografien zeigen keine spektakulären Postkartenmotive, sondern die stillen, scheinbar unbedeutenden Ansichten eines Ortes, die aufgeladen sind mit Erinnerungen an eine glückliche Zeit: menschenleere Straßen, Hofecken, Wege. Eine Melancholie hat sich in diese Fotografien eingeschrieben, wie ein Grauschleier liegt die Vergangenheit über den Motiven. Diese Arbeit erkundet die Verschiebung zwischen Realität und Erinnerung, ein Phänomen, dem wir als Menschen alle unterliegen.\n\n\n\nSusanne Knorr",_path:"/artist/Darko-Velazquez"}],allPages:[{title:"Über BTBB",body:"**Born to be Bauhaus** ist ein Kooperationsprojekt zwischen dem *Archiv der Moderne* der Bauhaus-Universität Weimar und dem *Freundeskreis der Bauhaus-Universität Weimar e.V.* zum 100-jährigen Jubiläum der Bauhaus-Ausstellung 1923. Im Rahmen dessen werden von 2017-2021 jährlich fünf Künstler\\*innen der Fakultät Kunst und Gestaltung der Bauhaus-Universität Weimar gekürt. Das geschieht durch eine Jury, die Expert\\*innen aus den Bereichen Kuration, Kunsttheorie, Kunstmarkt, Kunstproduktion und Kreativwirtschaft versammelt. Die Auslobung findet jährlich im Sommersemester statt. Die jeweiligen fünf Kunstwerke werden schließlich vom Archiv der Moderne in die Kustodie der Bauhaus-Universität Weimar aufgenommen, was sie zu unveräußerlichem öffentlichen Kunstgut macht. Darüberhinaus stellen die Preisträger*innen ihre Kunst (über die angekauften Werke hinaus) 2017 bis 2019 in der Kulturfabrik, Apolda, 2020 im Eiermannbau, Apolda und 2021 in der Neufert-Box, Gelmeroda aus. \n\nDas Projekt zielt mitunter auf die Netzwerkbildung junger Künstler\\*innen und Kurator\\*innen und damit auf einen Transfer zwischen Universität und Kunstbetrieb ab. Hierfür werden innerhalb des Projektzeitraums unter dem Titel **Reframing the Future** verschiedene Workshops angeboten, die auf eine künstlerische Professionalisierung abzielen. Um die Ergebnisse auch öffentlich diskursiv zu machen, werden die Ausstellungen kuratorisch begleitet und um Podiumsgespräche erweitert. Des Weiteren ist ihre Veröffentlichung in einem Podcast (2023) vorgesehen.\n\nJurymitglieder sind [Heinrich Carstens](https://positions.de/about-us.html) (2019) , [Marta Doehler-Behzadi](https://www.iba-thueringen.de/service) (2017), Nils Emmerichs (2019-2021), [Isabella Fürnkäs](http://isabellafuernkaes.com/) (2020-2021), Andrea Karle (2019), [Andreas Krüger](https://belius.de/) (2017-2019, 2021), [Maren Lübbke-Tidow](http://marenluebbketidow.com/) (2020), [Michael Lüthy](https://www.michaelluethy.de/) (2017-2018, 2020), Vanessa Joan Müller (2018, 2021), [Nicolaus Schafhausen](https://de.wikipedia.org/wiki/Nicolaus_Schafhausen) (2017) und Christiane Wolf (2018). \n\n> Im Anspruch der Kunst verbinden sich Ästhetisches und Gesellschaftliches. Kunst konfrontiert den Betrachter mit dem Anspruch, die im Kunstwerk realisierte Balance zwischen Wirklichkeitsbezug und Selbstbezüglichkeit nachzuvollziehen und zu deuten. Das Kunstwerk zeigt das, was es zeigt, auf die ihm eigene Weise: Es revidiert bestehende Welt-Sichten. Darin liegt eine aufklärerische und emanzipatorische Dimension. Denn das Verstehen des Kunstwerks bedeutet, das eigene Verhältnis zur Wirklichkeit und den eigenen Wirklichkeitsbegriff ins Spiel zu bringen und revidierbar zu halten.\n\n**Michael Lüthy**\n\n> Der Kunstpreis Born to be Bauhaus kommt zur richtigen Zeit und füllt eine Lücke im Kunstleben Thüringens. Im Zuge des auch international große Beachtung findenden Bauhaus-100-Jubiläums im Jahre 2019 droht sich der Blick darauf zu verlieren, wer hier im Lande großen Anteil am kritischen Hinterfragen, neuen Positionen, unkonventionellen Perspektiven und sinnstiftender Kraftentfaltung hat: Die jungen Künstlerinnen und Künstler, die mit Ihrem spezifischen Blick auf die Dinge wesentlich zur Wahrnehmung der Qualitäten unter der Oberfläche beitragen. Dies erscheint in den jetzigen Zeiten wichtiger denn je. Born to be Bauhaus wird einen wichtigen Anteil zur ebenso kritischen wie auch konstruktiven Auseinandersetzung mit dem ›ehrwürdigen‹ Bauhaus und mit gesellschaftlichen Konstellationen leisten. Und das mit den Mitteln der Kunst. Darauf dürfen wir alle uns freuen.\n\n**Andreas Krüger**\n\n> Vor dem Hintergrund rasanter gesellschaftlicher und politischer Veränderungen wirkt die Vision des Bauhauses, Kunst und Leben in enger Verbindung zu verstehen, wie ein aktueller Aufruf. Kunst- und Kulturproduktionen haben das Potential, soziale Entwicklungen aufzuzeigen und auf Gefühlslagen zu reagieren. Als Medien bieten sie Raum, gelebte Erfahrungen zu reflektieren und Themen nachzugehen, die für die jeweilige Zeit relevant sind. Es ist wichtig, den Problemen, vor denen eine Gemeinschaft steht, mit neuen Fragestellungen zu begegnen und Räume zu schaffen, in denen Dialog möglich ist. Wir brauchen Orte, an denen sich Meinungen bilden können. Das Bauhaus als Ort der künstlerischen Bildung wie auch der Vermittlung und Präsentation von Kunst ist dabei eine wichtige Plattform, um das Jetzt kritisch zu hinterfragen und neue Vorstellungen einer gemeinsamen Zukunft zu entwickeln.\n\n**Nicolaus Schafhausen**\n\n> Für die Internationale Bauausstellung in Thüringen ist die Zukunftsfähigkeit des ländlichen Raums sowie der kleinen und mittleren Städte ein besonderes Anliegen. Kunst, Bildung und Kulturformate sind dafür wichtige Transfermedien. Immer wieder begegnen uns in der sogenannten Provinz die Hidden Champions, und zwar nicht nur als Unternehmen sondern auch als hochwertige und überraschende Kunst- und Kulturprojekte. Sie sind längst wichtige Identitätsstifter für periphere Räume und kleine Gemeinden geworden. Apolda hat hier in den letzten Jahren bereits viel angeschoben und erreicht. Für die noch anstehenden Transformationsaufgaben in der Stadt ist die Kooperation im Rahmen von Born to be Bauhaus ein wichtiger Akteur und Partner, den ich als Geschäftsführerin der IBA Thüringen gern unterstützte.\n\n**Marta Doehler-Behzadi**\n\n> Born to be Bauhaus. Dies drückt viel mehr aus als nur kreatives universitäres Erlernen oder das Interesse an Theorien oder Ästhetik oder historischen Leistungen. Es ist eine Haltung. Aufgewachsen in einem von Mies von der Rohe-inspirierten Elternhaus inmitten von Bauernhäusern im norddeutschen Flachland, habe ich dies früh lernen dürfen. Kunst ist Leben ist Kunst, Zweifel und Kontroverse. Das Bauhaus bot immer einen interdisziplinären Raum für eine kritische, dialogische und konstruktive Auflehnung gegen den status quo. Es ist ein Spielfeld. Auch und gerade in Zeiten sich widerstrebender kultureller und politischer Kräfte. Darüberhinaus ist das permanente (Wieder-)Entdecken, Präsentieren und Bewahren von Werken, Prozessen, Erfahrungen und Biografien aus allen Bereichen, für die das Bauhaus steht, gelebte gesellschaftliche Verantwortung. Es ist ein lebendiges Archiv. Das Bauhaus ist eine international legendäre und zeitgenössische Plattform für Debatte und Haltung seit 100 Jahren.\n\n**Heinrich Carstens**\n\n> Ebenso wie die Kunst des Bauhaus ist auch die Kunst der Gegenwart ein gefährdetes und flüchtiges Phänomen. Kunst muss nicht nur unterstützt, sondern auch betrachtet, diskutiert, kritisiert, dokumentiert und gefeiert werden. Sie muss sichere Orten haben, denn die Kenntnisnahme ebendieser ist der Anfang von Kunst. Jedes Kunstwerk soll heute zuerst etwas bedeuten, seinen Inhalt unmittelbar äußern, das rechtfertigt, im vollen Umfang verstanden zu werden. Wenn es künstlerische Inhalte noch gibt, entsprechen Sie nicht immer der Norm gesellschaftlicher Akzeptanz, weil Künstler nie tun, was von ihnen erwartet wird. Gerade deshalb repräsentieren Kunstwerke die Gesellschaft. Es sind die auf ein Momentum zugespitzten Kunstwerke; Kristallisation eines eingreifenden Denkens über eine Gesellschaft in der wir heute leben. Deswegen ist es unumgänglich, dass wir diejenigen, die sich entscheiden als Künstler zu arbeiten, den Rücken frei halten und einen Ort zum Ausstellen geben. \n\n**Nils Emmerichs**",color:r,_path:"/page/about"},{title:"Kontakt",body:"**Artistengineering** Projektkoordination Andreas Lenz\nTel.: +49 (0) 157 353 929 50\nEMail.: btbb\\[at]uni-weimar.de\n\n**Archiv der Moderne** Universitätsarchiv und Sammlung für Architektur, Ingenieurbau, Kunst und Design Dr. phil. Christiane Wolf Tel.: +49 (0) 36 43 58 31 20\nEMail: archiv-moderne\\[at]uni-weimar.de\n\n**Freundeskreis der Bauhaus-Universität Weimar e.V.** Ansprechpartner: Thomas Apel EMail: freundeskreis\\[at]uni-weimar.de\n\n<br>\n<br>\n<br>\n<br>\n<br>\n<br>\n\n**Gestaltung** Grafik & Print: [Adrian Palko](http://www.adrianpalko.com/)\\\nWeb: [👁.pitscher.net](https://xn--mp8h.pitscher.net/)\n\nbased on Bael by jake101\\\nFont: [Monument Grotesk](https://abcdinamo.com/typefaces/monument-grotesk)",color:r,_path:"/page/kontakt"},{title:u,thumbnail:d,body:"<iframe style='width: 100%; height: 100%; min-height: 800px;' src='images/uploads/EINLEGER EVENTS LILA EP04.pdf' />",color:r,_path:"/page/news"},{title:"Reframing the Future",thumbnail:d,color:"#FF8C00",body:'\n\n- - -\n\n## Termine und Informationen\n\n\n\n- - -\n\nFragen zum Projekt gerne an \\\n<a class="button" href="javascript:linkTo_UnCryptMailto(\'nbjmup;cuccAvoj.xfjnbs/ef@Tvckfdu>Cfxfscvoh&4B&31CUCC&31312:\');"> btbb (at) uni-weimar \\[punkt] de </a>',_path:"/page/open-call"}],navheight:0,blogTitle:u,siteInfo:{sitename:"BTBB",sitedescription:"Born to be Bauhaus ist ein Format, dass von 2017-2021 Preisausschreibung, Ausstellungen, Workshops und Kunstankäufe für Studendierende der Bauhaus-Universität Weimar beinhaltet und 2023 zum Anlass des Jubiläums der Bauhausausstellung eine Gesamtausstellung präsentiert.",siteicon:"/images/uploads/icon.png"},allTags:[],gridItems:[],gridNumPosts:"11",gridNumCats:"11",gridOffset:"0",theThumbnail:d,theCategory:"",theCrumb:"",allCats:[{title:i,color:"#E83C1B",turnedOff:n,_path:"/jahre/2017"},{title:e,color:"#F5E400",turnedOff:n,_path:"/jahre/2018"},{title:s,color:"#42CE2A",turnedOff:n,_path:"/jahre/2019"},{title:t,color:"#E81DD7",turnedOff:n,_path:"/jahre/2020"},{title:a,color:"#ff8c00",turnedOff:n,_path:"/jahre/2021"},{title:"2023",color:"#1DFFF3",turnedOff:!0,_path:"/jahre/2023"}],results:null,resultsnum:[],pagination:n,theColor:r},serverRendered:!0}}("2018",!1,"2017","#000000","2020","2019","2021","/images/uploads/oprncall.jpg","Termine und Neuigkeiten")</script><script src="/born-to-be-bauhaus/_nuxt/24374b63c468520c61c9.js" defer></script><script src="/born-to-be-bauhaus/_nuxt/603ca1bb1a502ef17ce6.js" defer></script><script src="/born-to-be-bauhaus/_nuxt/63cda0c4038d5244b167.js" defer></script><script src="/born-to-be-bauhaus/_nuxt/0f8946973c23e10b2545.js" defer></script><script src="/born-to-be-bauhaus/_nuxt/9d548cb93d146f5872f3.js" defer></script> </body> <script> if (window.netlifyIdentity) { window.netlifyIdentity.on("init", user => { if (!user) { window.netlifyIdentity.on("login", () => { document.location.href = "/admin/"; }); } }); } //https://jumk.de/nospam function UnCryptMailto(s) { var n = 0; var r = ""; for (var i = 0; i < s.length; i++) { n = s.charCodeAt(i); if (n >= 8364) { n = 128; } r += String.fromCharCode(n - 1); } return r; } function linkTo_UnCryptMailto(s) { var win = window.open(UnCryptMailto(s), '_blank'); win.focus(); //location.href = UnCryptMailto(s); } </script> </html>
